Ho sempre adorato Walt Disney. Il motivo principale è perché è quello che si definisce un “late bloomer”, cioè una persona che non è arrivata al successo subito, ma lo ha fatto dopo aver preso numerose porte in faccia. Questo fa capire che non bisogna mai arrendersi, che c’è sempre speranza. E la speranza è uno dei messaggi fondamentali della sua produzione, che ora scopriamo insieme alla sua vita. Scopriremo anche che forse non è l’uomo adorabile che tutti credono, ma a voi la sentenza dopo la lettura!

Nascita e adolescenza di Walt Disney

Walter Elias Disney, nato il 5 dicembre 1901 a Chicago, è il quarto e penultimo figlio di Elias Disney e di Flora Call. Il bambino aveva cinque anni quando suo padre portò la sua famiglia a vivere in una fattoria del Missouri. Dei quattro anni trascorsi in questo universo, Disney conserverà una perdurante nostalgia che diventerà una delle sue principali fonti di ispirazione.

Nel 1910, la famiglia si trasferì nuovamente, a Kansas City, dove Walt seguì i corsi presso l’Institute of Art dal 1915. Nel 1918, assunto come autista di ambulanze presso la Croce Rossa, sbarcò in Francia, da dove si rivolse, senza successo, ai giornali americani offrendo delle sue vignette.

 Tornato a Kansas City nel 1919 e ingaggiato, grazie al fratello Roy, in un’agenzia pubblicitaria, conosce un altro giovane e talentuoso designer, Ub Iwerks, che da quel momento sarà il suo più stretto collaboratore; dopo aver creato il proprio studio nel 1930, Iwerks tornò definitivamente da Disney nel 1940. Allo stesso modo, Roy, inizialmente impiegato di banca, divenne nel 1923 il saggio socio di tutte le attività del fratello; gli succedette alla guida dell’azienda nel 1966 e così poi suo figlio, garantendo la continuità della dinastia dopo la sua morte nel 1975.

Ripartire da zero

Nel 1920, Walt fu assunto con Iwerks alla Kansas City Film, produttore di cartoni animati. Due anni dopo, il giovane intraprendente fonda la propria compagnia, Laugh-o-Grams Films, con la collaborazione di Iwerks, alla quale si aggiungono i fratelli Harman e Rudolf Ising. Il team ha poi prodotto cartoni animati ispirati alle fiabe: Cenerentola, Il gatto con gli stivali, I musicisti di Brema. Inizia quindi una nuova serie, Alice in Cartoonland, dove una bambina, filmata in live action, si muove tra personaggi e sfondi dei cartoni animati.

Ma, nel 1923, il fallimento della sua compagnia portò Walt ad unirsi a Roy a Los Angeles; con il fratello, con il finanziamento di uno zio, apre un modesto studio. Presto raggiunto dalla sua vecchia squadra, rinforzata da Friz Freleng e dai fratelli Clark, ha rilanciato la serie Alice per una società di distribuzione di New York. Nel 1923 applicò la sua famosa grafica a forma di O alla creazione del coniglio Oswald, eroe di una nuova serie, che ebbe subito un grande successo. Ma un conflitto con il suo distributore gli fa perdere la direzione di Oswald e del suo team di animatori.

Ripartendo da zero, Walt creò nel 1928, con Iwerks, che rimase l’unico fedele, un nuovo personaggio chiamato Mortimer, che divenne famoso l’anno successivo con il nome di Topolino. La moglie di Walt, Lilian, scoraggiò infatti l’uso di Mortimer perché sembrava troppo pomposo per un cartone animato e gli  raccomando Mickey. Forse l’alliterazione del nome, come piaceva al compianto Stan Lee, convinse Walt e Mortimer divenne definitivamente Mickey Mouse.

I primi due nastri prodotti usciranno solo dopo il terzo, in versione sonora. Nella prima, Plane Crazy, il topolino, entusiasta dell’impresa di Lindbergh, che ha appena attraversato l’Atlantico in aereo, porta la fidanzata Minnie e gli animali della fattoria a bordo di un folle veicolo aereo. Il secondo, Gallopin’Gaucho, è un divertente pastiche delle esibizioni del famoso Douglas Fairbanks. Ma è con il terzo, Steamboat Willie, che Walt Disney riesce nel suo capolavoro.

Il trionfo dei fumetti sonori

Già nel 1927 il cinema sonoro aveva conquistato i teatri americani con il famoso cantante jazz Alan Crosland. Disney, avendo compreso l’irreversibilità del fenomeno, sviluppa un sistema di sincronizzazione e immagina uno scenario che dia il posto d’onore a gag ed effetti sonori o musicali (come quello in cui Topolino suona lo xilofono sui denti di una mucca). Steamboat Willie, una vera e propria parodia e commedia musicale del genere Showboat, allora molto popolare a Broadway, debuttò a New York il 18 novembre 1928 e fu un vero e proprio trionfo.

Questo successo ha aperto per dieci anni l’età d’oro dei cortometraggi Disney: quella dei Cartoni di Topolino e delle Silly Symphonies. La prima di queste, nel 1929, è una fantastica sarabanda di scheletri che illustra la Danza della Morte di Saint-Saëns. Tuttavia, l’universo di Topolino si arricchisce di nuovi personaggi: Pluto, poi Pippo nel 1932, Paperino nel 1934. Molto rapidamente diventano personaggi indipendenti, divenendo ognuno il protagonista della propria serie. Faranno anche concorrenza a Topolino della fine degli anni ’30, soprattutto Paperino, il papero irascibile e petulante, circondato dai suoi stessi complici: Daisy (Paperina), la sua fidanzata, i tre nipotini e, più tardi, il famoso zio Paperone, cioé il tirchione.

La ricerca di Walt Disney continua

Continuando la ricerca di innovazioni tecniche, Disney iniziò, nel 1932, il Technicolor con Fiori e Alberi, incoronato con un primo Oscar. Seguirono molti film di animazione, in particolare i Tre porcellini nel 1933, incluso il famoso ritornello “Chi ha paura del lupo cattivo? è stato cantato da tutta l’America poi precipitata nella grande depressione. Nel 1934 sarà il turno de La lepre e la tartaruga, ispirata alla favola di La Fontaine. Il settimo Oscar per i cortometraggi di quel decennio fu assegnato nel 1938 a Ferdinando il Toro, il torello destinato alla corrida per la sua imponente statura ma che prediligeva la pace dei pascoli in fiore alla frenesia delle arene. Questi personaggi sarebbero stati perfetti per le poesie di Wilde a pensarci!

L’anno 1937 segnò una nuova e importante tappa nello sviluppo delle attività Disney. Ha visto, infatti, l’uscita del suo primo lungometraggio, Biancaneve e i sette nani, che ha stabilito l’accesso alle produzioni di Hollywood e ha riscosso un immenso successo mondiale. Il film riunisce tutti gli ingredienti estetici e drammatici di un grande successo popolare: profusione di colori; varietà di effetti drammatici che mescolano suspense, fantasia e commedia; originalità dei personaggi.

Nello stesso periodo, l’azienda Disney si trasferì a Burbank (città natale di Tim Burton), in quello che sarebbe diventato il più gigantesco studio di cartoni animati. L’organizzazione è un metodo di produzione industriale con una divisione tecnica avanzata delle attività e una moltiplicazione della forza lavoro, che passa da 187 persone nel 1937 a 1.600 nel 1940. Ogni fase del processo produttivo è ora rigorosamente definita e affidata a squadre specializzate. L’ambizione di Walt Disney si basa su una ricerca della perfezione tecnica che soddisfi le esigenze di un realismo sempre più naturalistico: la fantasia creativa degli esordi un po’ scompare.

La Disney Company si allarga

Questo è stato il momento in cui la Disney ha iniziato a creare corsi d’arte presso il Chouinard Institute per formare i suoi animatori. Presto chiederà che le loro animazioni siano una vera decalcomania di modelli viventi. È sempre con lo stesso spirito che ha sviluppato la famosa fotocamera multiplanare, che consente le riprese in tre dimensioni e l’effetto del rilievo. Fu impiegata per la prima volta nella realizzazione del Vecchio Mulino, che valse a Walt Disney il suo sesto Oscar, nel 1937.

Forte del successo di Biancaneve, la Disney continuò a realizzare lungometraggi con Pinocchio, uscito nel 1939 e seguito da Fantasia nel 1940. Quest’ultimo film fu costruito in otto sequenze, ognuna delle quali illustrava un celebre brano del repertorio musicale classico, da Bach e Beethoven a Mussorgsky e Stravinsky. A quest’opera, ricordiamo, aveva contribuito una nostra conoscenza: Kay Nielsen. La critica ha giudicato duramente questo film, poi ritenuto, a ragione, un capolavoro.

Dopo Dumbo l’elefante volante (1941), Bambi (1942) segna un apice dello stile naturalistico caro a Disney: il cerbiatto era paradossalmente insieme più umano e più reale della vita.

Ma il contesto internazionale, unito alle difficoltà proprie dell’azienda, interrompe bruscamente il boom iniziato cinque anni prima e porta nel 1940 a una riconversione produttiva. Inoltre, nel 1941, scoppiò uno sciopero tra gli animatori per motivi sia di stipendio che di libertà di creazione. Il confronto con l’uomo che hanno poi soprannominato “Big Bad Walt” ha portato al licenziamento di alcuni dei più brillanti di loro, che si sono rivolti a studi concorrenti per sviluppare uno stile “anti-Disney”. Infine, l’entrata in guerra degli Stati Uniti nel dicembre 1941 e la conseguente chiusura dei mercati europei spinsero Walt Disney a rinunciare ai valori nazionali.

Walt Disney: la guerra e il dopoguerra

Dal 1943 al 1945, la maggior parte delle realizzazioni degli studi Disney servirà, più o meno direttamente, allo sforzo bellico e alla propaganda degli Stati Uniti.

Prendono la forma, da un lato, di film di istruzione militare – come Victory through Air Power del 1943, il primo di una lunga serie sponsorizzata dalle forze armate – e, dall’altro, di film di propaganda destinati al grande pubblico: nel 1943, due grandi successi, Face e Education for Death, satire corrosive del nazismo, accompagnano un altro film più contestato, sostenendo il “panamericanismo” in direzione dei Paesi latinoamericani, Saludos amigos, con i Tre Caballeros che seguiranno nel 1945.

In questi quattro film è protagonista Donald Duck, portavoce dell’ideologia ufficiale. Farà ora la parte del leone fino al 1961, in una serie di cortometraggi sempre più orientati a una funzione educativa o didattica. Topolino apparirà solo in uno o due film all’anno, fino alla sua ultima apparizione nel 1953 in Le cose semplici, insieme a Pluto.

Il dopoguerra fu però segnato da una nuova svolta con l’espansione delle produzioni Disney ai film “non animati”. Prima con i documentari della serie True Life Adventures, per la quale Disney, ma in particolare suo fratello Roy, ha fondato la propria società di distribuzione, Buena Vista. Alcuni lungometraggi “animali” come Il deserto vivente e La Grande prateria (Oscar 1953 e 1954) o Leoni africani, nel 1955, riscuotono un grande successo.

Questa diversificazione dei generi comprende anche la produzione di fiction d’azione affidate a bravi registi: La rosa e la spada (1953) a Ken Annakin, o Ventimila leghe sotto i mari (1954) a Richard Fleisher. Poi arriva Mary Poppins (1964) , grande successo di un genere allora quasi estinto, il musical, qui mescolato all’animazione. Il film, che sarà ricoperto di Oscar, compresi quelli assegnati al suo regista Robert Stevenson e alla sua interprete Julie Andrews, resta uno dei successi Disney più apprezzati.

Da Cenerentola agli Aristogatti

Tuttavia, questa diversificazione non ha impedito alla Disney di riprendere la produzione di lungometraggi d’animazione nel 1950: Cenerentola poi Alice nel Paese delle Meraviglie nel 1951; Peter Pan nel 1953 – tre film la cui grafica è stata modellata su una precedente messa in scena con attori reali. La critica fu abbastanza crudele per questi adattamenti di racconti famosi, il cui valore poetico riteneva tradito.

Dopo Lilli e il vagabondo (1955) uscì La bella addormentata (1959), un costoso adattamento in perdita, che fu criticato per la sua “perfezione congelata”. Ma questo fallimento fu compensato dall’uscita di La Carica dei 101 1961 e La Spada nella Roccia nel 1963, diretti da Wolfgang Reitherman che, dopo la morte di Walt Disney, assunse la direzione del dipartimento di animazione con la squadra dei “veterani”: lui realizzerà, con perfetta fedeltà ai progetti lasciati da Walt, due grandi successi, Il Libro della Giungla (1967) e Gli Aristogatti (1970).

Nasce L’impero Disney

Ci sono altre due aree in cui lo spirito imprenditoriale di “Big Walt” si è esercitato nell’ultimo periodo della sua vita. Primo fra tutti quello televisivo, di cui fu il primo produttore cinematografico ad interessarsi: nel 1954 creò il suo primo programma su ABC (The Disneyland Story), seguito nel 1955 dal Mickey Mouse Club TV Show, trasmesso quotidianamente.  Nel 1957 uscì la serie televisiva dedicata a Zorro, anch’essa un enorme successo. Queste trasmissioni consentirono la ridistribuzione multipla degli stock di cartoni animati, ma assicurarono anche la promozione dei famosi parchi di divertimento.

Qui è dove, senza dubbio, si esprime la parte più personale del lavoro Disney di questo periodo. Progetta e fa costruire un mondo tridimensionale, popolato dalle più diverse creazioni della sua mitologia, che è anche quella dell’America popolare.

A Disneyland, aperto nel 1955 ad Anaheim, in California, si aggiunge il gigantesco Disneyworld in Florida, inaugurato da Roy nel 1971. Il centro Epcot (“Città sperimentale del futuro”), la sua ultima opera postuma, completata nel 1975 a Disneyworld, è una mescolanza barocca in cui si incontrano Topolino, La Bella Addormentata nel Bosco, I Pirati dei Caraibi, saloon del West e gli indigeni polinesiani. Una sorta di Giardino dei Tarocchi versione Disney!

Secondo Walt, questo é quello che avrebbe dovuto essere Disneyland:

L’idea di Disneyland è semplice. Sarà un luogo in cui le persone troveranno felicità e conoscenza. Sarà un luogo dove genitori e figli potranno trascorrere piacevoli momenti in compagnia gli uni degli altri.

Disneyland sarà basato e dedicato agli ideali, ai sogni e ai fatti concreti che hanno creato l’America. E sarà equipaggiato in modo unico per drammatizzare questi sogni e fatti e inviarli come fonte di coraggio e ispirazione a tutto il mondo.

Disneyland sarà piena di successi, gioie e speranze del mondo in cui viviamo. E ci ricorderà e ci mostrerà come rendere quelle meraviglie parte della nostra vita.

L’azienda Disney dopo Walt Disney

Il 15 dicembre 1955, all’età di 65 anni, Walt Disney muore a causa di un collasso cardiocircolatorio. Dalla sua morte, l’azienda continua a “fare Disney”: ovviamente continua a produrre grandi cartoni animati, ispirati in particolare alle fiabe classiche, come La Sirenetta (1989), la Bella e la Bestia (1992), Aladino (1993). Poi arrivano Il Re Leone (1994) che inaugura un certo rinnovamento tematico, Pocahontas (1995) ed Hercules (1997), mentre Il Gobbo di Notre-Dame (1996), liberamente tratto dal celebre romanzo di V. Hugo Notre-Dame de Paris, trae gioiosi effetti dalle nuove tecniche di computer grafica che stimolano l’azione dando profondità all’immagine. Infine l’azienda affida a grandi registi la produzione di fiction di successo, come Il colore dei soldi (1986) di Martin Scorsese, con Paul Newman. E ha creato un canale televisivo a pagamento, Disney Channel, nel 1983.

Negli ultimi anni Disney ha rinnovato la propria immagine, in particolare grazie agli studi Pixar, specializzati nell’animazione al computer. Nel 1995 hanno prodotto Toy Story, il primo cartone animato prodotto in computer grafica. Seguono con successo: Monsters 6 Co.(2002), Alla ricerca di Nemo (2003), Gli incredibili (2004), Cars (2006), Ratatouille (2007) e Wall-E (2008).

Inoltre, Disneyland continua ad espandersi; le sue “colonie” si stabiliscono in tutto il mondo: Tokyodisneyland (1983), Eurodisney (poi ribattezzata Disneyland Paris) a Marne-la-Vallée (1992), Hong Kong Disneyland in Cina sull’isola di Lantau (2005).

E l’Impero Disney non ha finito di divulgare, con il merchandising negli store, l’effigie del “piccolo Topolino”  e di tutti gli altri personaggi attraverso fumetti, giocattoli, t-shirt, orologi e gadget vari, che da mezzo secolo invadono il mondo quotidiano dei bambini (giovani e vecchi) della cultura di massa del XXI secolo. Perché il vero business di Walt Disney non sono mai stati i cartoni animati, ma i sogni.

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